electricgecko

Es ist eine andere Stadt, wenn es wieder dunkel ist, wenn der Regen zurückkehrt nach dem langen Sommer. Wenn die Tage ihre Verschalung ablegen und die grimmigen Fundamente aller Dinge wieder hart und schön zu spüren sind. Regen, Füße auf den Asphalt und eines der besten Gefühle: Dringlichkeit, a Sense of Urgency.

Rockmusik ist zurück in der Stadt, und mit ihr die Werte, die sie mich gelehrt hat. Das Zerren an der einen Stelle, der bedingungslose Drang nach vorne. Das Zersplittern. Die Freude am Unmittelbaren, an der Rohheit. Der Ekel vor den Idioten.

Die Jahre sind vergangen, und mein Zugang zu dieser Musik scheint sich inzwischen auf eine herausragende Gruppe zugleich zu beschränken. Messer sind diese Gruppe, in dieser Stadt, in diesem Wetter. Sie wäre es bereits länger, hätte ich Im Schwindel (2012) und Die Unsichtbaren (2013) nicht in den vergangenen beiden Jahren ungehört abgetan – als Veröffentlichungen eines Genres, in dem selbst die Jungen vorauseilend gehorsam konservativ sind. Sie wäre es bereits länger, hätte ich nicht erst das Konzert im Hafenklang im März besucht.

Messer sind nicht genreprägend. Sie sind bemerkenswert aufgrund der Art und Weise¹ wie sie das Maneuver Punkrock vollführen. Ein großer Teil der Qualität der Gruppe Messer liegt darin, ihre überbordende Intensität ihrer Disziplin und Exaktheit zu unterwerfen – und im Verlauf von Songs und Alben genau daran zu scheitern. Hooklines und Bridges reißen sich frei, bevor die Gruppe sie scheinbar nur mühsam wieder in das Korsett des Songs zwingt². Es sind Hits für einige Sekunden, Popmusik und keine Angst. Ein Moment grimmigen Triumphs im Licht der Straßenbeleuchtung, dann weiter in die Dunkelheit, entlang des Asphalts, der Regen.

Intensität, Disziplin, Klugheit. Messer wären eine geringere Band ohne ihre eigene Sprache. Hendrik Otremba schreibt Parolen, es sind Bildfolgen in kohärenten Settings, direkt, repetitiv und reduziert. Verben sind selten in diesen Vignetten. Messer bewegen und handeln nicht, sie beschreiben die Momente und Orte eines Lebens, seine Farben, eine Perspektive: Die Stadt im Sommer, die Stadt im Regen. Wasser auf Asphalt, der Geruch von Nebel/Ein Streuner auf der Straße, durstig, müde, schwach.

Ich habe die beiden Messer-LPs viele Monate dieses Jahres gehört. Doch es bleibt Musik für das Dunkle, für den Regen und für die grimmige Freude and der Unnachgiebigkeit der Welt, it came into its own, im November. Für das Heimkehren ins Helle, für den Ausbruch und das eigensinnige Schöne.

Intensität, Disziplin, Klugheit.

• Messer – Im Schwindel. This Charming Man, 2012.
• Messer – Die Unsichtbaren. This Charming Man, 2013.

1. Wiederum: how not what. ↩

2. Cases in Point: Die letzte Minute von Die kapieren nicht, die letzten 30 Sekunden von Staub. ↩

Delicately swooping lines in framed portrait drawings (all of them signed with „J.A.“) are contrasted by floor tiles that have been jointed with maximum accuracy. While the latter make up a neat grid, the former are distributed across the two-storey space in erratic fashion.

Ivory white dominates. Floor, walls and the marble counter – all shine freshly scrubbed. The mezzanine floor is lined with cast iron railing, its walls sporting further efforts from the steady hands of „J.A.“. A faint smell of cardamom lingers. The place feels vaguely colonial.

Patrons line the bar, opposed by a team of bulky bartenders, going about their business in bustling fashion. No fewer than two red T-Shirts and the simply flavoured drinks somewhat betray the room’s visual quality. A young woman and her date are seated in plain sight. On her left shoulder, a greenish blob of a bear is chasing a red balloon into great unknown plains.

• Ramona, Green Point, New York.

Ich mag den Begriff Malerei, weil er neben seiner Trennschärfe als Genrebezeichnung auch eine taumelnde Unbestimmtheit enthält. Malerei liegt mir nah, als Orientierung in zwei Dimensionen mit welchen Mitteln auch immer. Dennoch geschieht es vergleichsweise selten, dass mich eine Serie ausgestellter Gemälde über einen längeren Zeitraum beschäftigt.¹ Anders während meines Besuches in Leipzig, am Ende des vergangenen Jahres.

In einer menschenleeren Mærzgalerie (der graue Sonntag) geriet ich in die Irreversibel betitelte Ausstellung von Clemens Tremmel. Seinen Arbeiten war der kaum zwei Meter breite Seitenflügel der Galerie gewidmet. Tremmel füllte ihn mit Wucht und Nachdruck: Es ist Landschafts- und Stimmungsmalerei, weit, saturiert, schwer und straight romantisch. Sie trifft auf schwarze Rechtecke, Löcher und eingefügte Stahlplatten. Die Motive sind durch das Übermalen, die Entnahme oder sonstige Prozessierung einzelner Bildbereiche gelöscht und verarbeitet. Die Vorstellung einer verklärten organischen Umgebung wird mit ihrer eigenen Kontingenz konfrontiert.

Clemens Tremmels Interventionen in seinen eigenen Bilder sind nicht Abwesenheiten oder Leerstellen, sie sind Teile der Umwelt, Glitches in ihrer Repräsentation. Als Kontingenz-Marker legen sie die vielen Ebenen der Konstruiertheit offen, aus denen das Bilder-Machen und Bilder-Betrachten besteht. Es führt kein Weg hinter diese Einsicht zurück. Das ist ein riskanter Move, und dass er bei Clemens Tremmel so gut funktioniert, hat mit dem handwerklichen Niveau der Bilder zu tun. Caspar David Friedrich (als Klischee eines historischen Kontexts) aufrichtig zu zitieren, setzt großen Ernst und hartes Können voraus.² Ebenso zentral ist es, dass Tremmel seine Interventionen – Flächen, Materialentnahmen, Stahlplatten – mit chirurgischer Präzision ausführt. Sie sind rigide und entschieden, ihrerseits scheinbar keiner Kontingenz unterworfen.

Diese Qualität setzt der Künstler in Ur fort – einer Ausstellung, die aktuell bei Morgen Contemporary in Berlin zu sehen ist. Hier findet sich Tremmels bewusstes Eingreifen in die Ganzheitlichkeit der Bilder (Sophie A. Gerlach im Ausstellungstext) in der Materialwahl: er malt auf verkratztem und anderweitig bearbeitetem Aluminium und verbindet die Materialität des Bild-Objekts mit den diffusen Nebeln und Lichtern des nordischen Himmels.

Meine Begeisterung für Clemens Tremmels malerischen Ansatz ist groß – ebenso der Wunsch, eine Arbeit wie Im Gebirge (3) in meine unmittelbare Lebensumgebung zu integrieren.

1. Im Bezug auf tatsächlich zeitgenössische Malerei – von Kippenberger und Serra ist also nicht die Rede – war es zuletzt vermutlich die Atlas-Serie von Dragan Prgomelja und nicht wenige Arbeiten von David Ostrowski.  ↩

2. Clemens Tremmel ist der Träger des Caspar-David-Friedrich-Preises 2013.  ↩

Es gibt einen Grundsatz für die Animation von Special Effects: große Dinge bewegen sich langsam. Je größer ein Raumschiff, desto langsamer sind seine Maneuver. Je massiver die Explosion, desto zeitlupenartiger bersten die Einzelteile des vergehenden Planeten durch das All. Langsamkeit ist in der Lage, Gewicht und Dichte zu suggerieren – das gilt für visuelle CGI wie für Musik (c.f. Andy Stott).

Es ist diese massive Langsamkeit von Psychic, die der Debut-Platte des Duos Jaar/Harrington ihre Gravitas verleiht. Sie findet ihren Ausdruck in der Anwendung des unaufhaltsamen, sequentiellen Vorwärts des Krautrock auf ein technisiertes Hier Und Jetzt. Psychic ist ein Album voller programmierter Grooves, so langsam und nachdrücklich als bewege sich Leviathan in karibischem Wasser um die eigene Achse. Wir betrachten versonnen Spiegelungen der Sonne auf den Wellen, und massive Wärme sinkt vom ultramarinen Himmel.

Psychedelia, Krautrock, kurz vor Mitte der siebziger Jahre des vergangenen Jahrhunderts. Nach vorn, nach oben.

Psychic trifft seinen ästhetischen Moment: das Ende der Fiktion der Moderne, die Auflösung ihrer schlanken Eleganz in Breite und Nachdruck im Heck des Maserati Merak (1972). Filz und Pelz und die Revers von Joseph Beuys (1974) in der Kollektion für Herbst und Winter 2014 von Siki Im. Die Ablehnung der Ökonomie, die nachlässige Breite dieser Referenzen erscheint im Jahr 2014 wieder sinnvoll und passend. 1974 ist das zu samplende Jahr, und Nicolas Jaar wusste das früher und besser als wir.

Psychic könnte nicht treffender betitelt sein, sein Artwork nicht richtiger, seine Wucht und sein Tempo nicht zeitgemäßer. Es ist eine Platte für den dunklen Sommer: Sleazy, breit, schwer. Und da es sich um Krautrock handelt, findet sie erst mit dem letzten Track zu ihrem Höhepunkt. METATRON ist ein maximal volles und präzises Stück. Musik von derart zeitlupenartiger Wucht, dass ihr Titel nur in Versalien korrekt buchstabiert erscheint.

Psychic ist ästhetischer Zeitgeist, formuliert als Popmusik, Hits, interessant und neu. Ich halte dieses Album für eines der besten der letzten Jahre.

• Darkside – Psychic. Matador, 8. Oktober 2013. Album-Stream bei Soundcloud, via Other People.

Infinitely interwoven spaces of linear trails that are selected and linked by each person.

Von den digitalen Oberflächen, auf denen wir grafische Elemente arrangieren, Fotos bearbeiten und JavaScript schreiben, ist selten die Rede. Sie sind der Hintergrund eines sich ständig verändernden visuellen Pastiches, sie enthalten die Folge unserer Arbeiten, Zeichenreihen und noch zu verwerfender Daten. Im einfachsten Fall genügen sie den Mindestanforderungen an Klarheit und Ruhe. Im besten Fall werden sie zu einem kleinen Teil der Stimmung, die wir uns für das Ergebnis unserer Arbeit wünschen.

Bilder dieser Qualität sind leider schwer zu finden, denn entsprechende Sammlungen sind geschmacklos und uninteressant. Ich mag Bilder mit Textur und Weite, evokativ, harsch und unkonkret. Geeignetes Material transportiere ich seit Jahren von Computer zu Computer – eine meiner ersten Taten beim Einrichten eines neuen Systems ist es, die mitgelieferten Desktop-Bilder durch meine eigenen zu ersetzen. Acht dieser JPGs habe ich auf meinen Server geladen. Ihre Daten habe ich an verschiedenen Orten der Welt aufgenommen und in einem Fall aus dem Internet geladen.

Die Auflösung reicht aus für kleine Notebooks und eine Ad-hoc-Studie meines digitalen Raumempfindens¹. Im besten Fall dienen diese Bilder den Arbeiten, deren Kontext sie für einige Tage sind.

8 Desktopbilder (JPG) – 1440×900

1. Ein Grund für diese Überlegungen ist das schöne Zeit-Online-Feature zum Thema Desktops vom vergangenen Wochenende. Dies ist mein Desktop in diesem Moment. ↩

Es ist interessant, sich selbst zu beobachten, wenn die Zeit knapp und der Raum eng wird. Eine Reise in der vollends überfüllten Bahn. Ein Monat, der keine unverplanten Stunden enthält, in dem die Suche nach der eigenen Sprache und die Auseinandersetzung zur Ruhe gezwungen sind. Wenn es wirklich und tatsächlich keinen Raum gibt für irgendetwas anderes, dann ist die Reaktion der Rückzug in das Innere, die zu großer Dichte aufgewickelte Dimension.

Das Innere: das Glück und die Fähigkeit, Gedanken haben zu können. Ein gedrucktes Kleinformat in der Innentasche der Jacke zu wissen. Ein Device mit Speichermedium und Interface, gleichermaßen auszulesen und zu beschreiben. Ein verhallter Chord, ein Buch, alle Ideen einer Zeit, das Instapaper-Backlog, Skizzen, ein Magazin, your private stash of words and fragments and lists and records and scraps and images, Material für die nächste Schicht.

Es bedeutet keine Unabhängigkeit vom Mangel an Zeit und Raum. Doch es bedeutet die Option, in einer weiteren Dimension zu skalieren, shrouded from everything and yourself.

Die Missverständnisse der groben Bauweise: sie sei lebensfeindlich, unproportioniert und abstoßend. Ihren Oberflächen fehle es an Finish, zu Industriell und funktional, als dass hier jemand Freude empfinden könnte. Brutalismus hat einen schlechten Ruf. Seine Bemühungen um Schönheit, einfache Antworten und die Eleganz der Linie machen seinen Kern aus, sie sind konsequent auf die Struktur des Entwurfs gerichtet, nicht auf dessen nachträgliche Verkleidung.

In diesem Sinne hätten Rainer Veil den Titel für ihr zweites¹ Release – New Brutalism – nicht treffender wählen können. Denn ihr ästhetischer Entwurf ist konzentrierte Struktur, im Mikro (in den Tracks) wie im Makro (in der Dramturgie der Platte). Auch hier: Grobe Bauweise. Rainer Veil schichten und konfrontieren Parts auf modulhafte Weise, gleichermaßen in sich geschlossen und auf die folgenden Formen verweisend.

Dabei bleibt die Arbeit von Liam Morley und Dan Valentine in allen fünf Tracks einem atmosphärischen Gebiet verbunden, und damit angeschlossen an das große Thema des vergangenen Jahres. Es ist die überproportionale Tiefe des Raumes, die Monumentalität der Fläche, in der die disparaten Vorschläge dieser EP ihr Fundament finden. Das gilt für den sonnenwarmen Beton in Strangers wie für das straighte Amen Break in Three Day Jag, dem ebenso spartanisch² wie hyperpräzise konstruierten Hit der Platte. Run Out erlaubt schließlich den Weg zurück durch die zuvor passierten Strukturen und gibt den weiten Blick frei – ein Foyer, gewissermaßen.

Fokus, die Abwesenheit jeglicher Ornamentierung, der nicht nachgebende Wille zu struktureller Schönheit. New Brutalism indeed.

• Rainer Veil – New Brutalism. EP, Modern Love 2014. Stream bei Soundcloud.

1. Release eins, die deutlich humanistischer geratene Struck EP, ist ebenfalls unbedingt zu empfehlen. ↩

2. Ich wähle dieses Wort als unzulänglichen Ersatz für den sehr viel treffenderen englischen Begriff austere. ↩