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Grau und Weiß

Wir sitzen am verwitternden Hang der Stadt, wir blicken auf Eisen und den roten Himmel. Es läuft Gang of Four, alles ist mehr als richtig: weit, rau und klar.

Ein Tag zuvor, am 18. Mai, spielen die Einstürzenden Neubauten ein Konzert in der Casa da Música, ihr drittes oder viertes nach Jahren. Es kommt also zu den Konstellationen Koolhaas-Hacke, Repräsentation und Verwitterung, Kulturhauptstadt/Industriestandort, Berlin und Porto. Es ist das zweite mal, dass die Neubauten in einer Stadt auftreten, in der ich lebe1. Der Nexus ist nicht so tief und vielschichtig, wie es 2017 der Fall war, aber dieses Konzert berührt viele Dinge in mir und um mich. Die Neubauten haben 2020 ein Album über Berlin veröffentlicht, das sie nun zur Aufführung bringen. Es ist eine bemerkenswerte Erfahrung, diese so spezifische und vertraute Sprache isoliert zu hören, abgelöst von ihrer Umgebung, auf weißem Hintergrund präpariert, klar und uns zu eigen, zu Gast im Kontext unserer Vergangenheit.

Wie meist zu solchen Gelegenheiten vermeide ich Fotos und mache Notizen. The radical act of note-taking: grasping a piece (from the real), withdrawing (from the world) to make a new context for it.

(Um Himmels Willen keinen Gott!)

Die Neubauten spielen ein Konzert im Gebäude von O.M.A., und sie singen ein Lied über Berlin, das Meditation ist, Suchen und Wiederholen, Rhythmus rausarbeiten, ihn dieser Stadt abringen von der so wenig übrig ist: Zurück ins Wedding, ding, ding. Das Stück legt seinen eigenen Herstellungsprozess offen, seine zirkelnde Suche und das Vermessen der persönlichen Geographie: Von Mitte aus nach Norden. It shouldn’t groove, but it grooves.

Die Bühne ist so sehr weiß. Die neuen langen Haare sind weniger grau als erwartet. Der Dreiteiler mit Regenmuster, barfuß, weiterhin das beste denkbare Bühnenoutfit. In all dem liegt große Offenheit und Unverstelltheit, bemerkenswert im vierzigsten Jahr dieser Gruppe.

Es ist tatsächlich Musik über und mit den Mitteln von Architektur: Das Aneigenen von Räumen, das Verwandeln von allem in Baustoff.

(Aufgetürmte Zukunft)

Das ist eine harte, atonale, verdichtete Version der Befindlichkeit des Landes2, mit Nachdruck und Emphase. Als hätte sich diese Gruppe nicht vorstellen können, was noch alles passieren würde, in ihrer Stadt und mit ihrer Stadt und über dem Land, in den zwanzig Jahren seit sie dieses Lied veröffentlichten. Da ist neue, ärgerliche Kraft in diesen alten Männern, in ihren Brillen und Anzügen. Bezeichnend, diese Version in Porto zu hören, einem Ort, der das Schlimmste noch vor sich hat. Nothing but future ruins.

Blixa, immer gut gelaunt.

Wie einzig diese Gruppe in der koordinierten Herstellung, Texturierung und Formung von Noise ist. Großer, präziser, zielgerichteter, fantastischer Lärm.

Der Eindruck erhärtet sich: Zurück zum Metall. Die Neubauten lösen sich auf in ihrer Musik und treffen immer wieder auf sich selber: Hacke haut Eisen, Blixa singt rückwärts, was hier los ist.

Monumente für die Orte unseres Lebens/Wie ungeheuer, wenn sich die Splitter mischen/Teil einer Verständnisgemeinschaft/Ich kann mich kaum erinnern, was passiert ist, aber die Orte gehören mir/Laying claim to presence between before and after/The entranceway you kissed me in/It’s a Wework now

(Auf dem Ozean der Möglichkeiten/On the sea of possibilities)

Die Neubauten wirken weiterhin neu und verändert. Es ist die Lehre aus der Arbeit dieser Gruppe: Der Weg der stetigen, tief greifenden Veränderung, der alles in Essentia behält und doch keinen Stein auf dem anderen lässt. Er erwächst aus der Einsicht in die umfassende Rekonfigurierbarkeit des Vorhandenen, manifestiert in stets neuen Versuchsanordnungen von Instrumentierung und Rollenverteilung für jeden Song und jedes Projekt. Es ist eine Antwort auf die Frage nach Balance: Ihre Strategie beinhaltet die Mechanismen ihrer eigenen Disruption. Einsturz und Bau.

Xenakis, she says, ‘used the term “alloy” to describe the relationship of arts and sciences. The term alloy suggests that both disciplines are almost melted together: you cannot define if architecture provides tools for music or if it’s the other way round.

Be careful with this instrument!

Wieder zuletzt: Redukt, alles formuliert, jede Erwartung erwartet, der Hoffnung nichts zurückgelassen als den Prozess, die nächsten Schichten, den nächsten Zirkel der Ichbehauptung, letztlich nichts weniger als das Überwinden des westlichen Dualismus aus Subjekt und Objekt zugunsten prozessualer Strategien, keine Antwort auf keine Frage, sondern Kritik und Zweifel an ihren Bedingungen.

(The sound of a BVG train arriving in high summer)

  1. Ich überquerte einmal den Park der Rotunda da Boavista, unter dem getöteten Vogel und dem Löwen, und als die Casa da Música zwischen den Bäumen zu sehen war, realisierte ich, dass mein Leben einen Platz in dieser Stadt hat. Das Gefühl, etwas gefunden zu haben, oder gefunden worden zu sein. ↩

  2. Die Befindlichkeit des Landes, dieses Lied über das Berlin des Jahres 2000 (und zusammen mit dem Beauty-Skit zuvor: über den Potsdamer Platz und die Leipziger Straße) ist monumental großartig: gemessen, schön, hart, präzise, umfassend. ↩

Antizipation Dial/Future Living Room Music

Dial habe ich damals unmittelbar verstanden, europäischer Technomodernismus und Detroit, hinreichend eigen – die Abwesenheit jeglicher Funkiness mit hamburger Verspultheit kompensiert. Ein Versteckspiel mit den unterkühlten Publika in den damaligen Clubs dieser früheren Stadt. Vieles an Dial war immer etwas verhalten, die Parties und die Passepartouts auf den Covern; diese Distanziertheit hat mir gut gefallen und sie entsprach mir, und meinen Vorstellungen von Clubs und Interaktion und Gestaltung.

Andere Dekade halt, in meinem Leben und in der Welt, und auf nicht ganz nachvollziehbare Weise ist Dial weiterhin hier. Es gibt ein paar Compilations und den Travel Almanac1 und Releases mit Gitarren und es gibt Lawrence-Singles (und noch mehr in Japan bei Mule), und irgendwie ist es genug, um den Vibe auf unanachronistische Weise zu erhalten, das Gefühl dieser Musik und ihre Zeit, ohne sie unter dem Druck der Gegenwart erstarren zu lassen.

Bald erscheint die neue Platte von Carsten Jost, mit der ich nach Perishable Tactics nicht gerechnet habe (ganz gut, nicht zwingend; der Werbebanner auf dem Bandcamp-Profil verweist noch immer darauf). La Collectionneuse VII hat direkt diese paradox unterkühlte Wärme, eine Fläche weit unten, eine entspannte Konstellation, von der aus sich operieren lässt, schauen was die nächsten Bars bringen. In diesem Fall Vangelis-Synths, sachlich eingesetzt, angenehm uncinematisch. Das ist kluge, ruhige, dunkle Musik die schon was will, aber halt nicht jetzt direkt um jeden Preis. Ich höre das und mir wird klar, wie sehr mir die Art von Nacht fehlt, die zu dieser Musik gehörte, und wie entscheidend Carsten Jost sie seit CC01 (Detroit) geprägt hat.

Ich freue mich auf den Release dieses Albums. Noch mehr freue ich mich darüber, dass der Dial-Vibe präsent und universell und zeitlos ist, in diesem Leben. Living Room Techno for future living rooms.

  1. Der vermutlich mein liebstes Magazin war, als es noch um Stimmungen in Lobbies, Bars und Spas ging, mit dieser spezifischen Schreibe, dem offenen Papier und den schwarzweiß-Fotos von Rick Owens. Leider findet man darin viel allzu Vergleichbares zu Magazinen mit glänzenderem Papier und größerem Format. Die wunderbaren Transit- und Aviation-Gefühle sind leider von den Seiten verschwunden. ↩

Stadt und Jahr

Das Jahr war Porto und Porto war das Jahr, die Stadt und die Arbeit und wenig anderes. Alles, was ich über 2021 zu erzählen habe, hat mit ihrem Licht zu tun, mit dem Meer und dem Granit, den Oberflächen und unvollendeten Dingen. Es ist das physisch wahrgenommene Potenzial des Rückbaus, ein Ende des Wachstums und die Chance auf größeres Gleichgewicht. Eine andere Art zu Atmen, eine andere Art zu bauen und eine andere Kognition. Dieses Jahr war Ausläufer einer Zukunft, die einmal unser Leben werden könnte. Es scheint möglich, jedes mal wenn ich den Flughafen verlasse.

Auch unter diesen Bedingungen bedeutet Arbeit Zugang zur Welt. Große Teile meines Jahres liegen verschüttet unter der Zeit, die notwendig war, Entropie in Entschlossenheit zu verwandeln, Konsenz zu organisieren und den Bau des Neuen zu ermöglichen. Es ist wundervoll und erfüllend, und ich konnte das Ende von hier aus sehen. Aus Notwehr habe ich einen eigenen Bau begonnen. The construction of the house itself is both a dream and a reality, and this reality is difficult to attain, it is not a peaceful process. Indeed it is not, doch Wahrheit ist Arbeit und Realität ist Konstruktion. Die Realität der Konstruktion ist zunächst vor allem weitere Arbeit, und ich gehe fest davon aus, dass sich alles auf elegante Weise aufheben wird.

Im Juni saß ich auf einem geborgten Handtuch in der Sonne am Ufer des Flusses, in Gedanken beim Grundstück einige Meter hinter mir. Weniger als 24 Stunden später ging ich verspult durch die Straßen des vierten Arrondissements, saß in einem dieser Metallstühle in den Tuileries und fand mich allein im Palais de Tokyo wieder. Ich musste selten zuvor Reißaus nehmen in meinem Leben, l’ai-je bien descendu? So war das dieses Jahr.

Im Juli ist Christian Boltanski gestorben. Meine Verbindung war selten aber präsent, seit ich Les Archives du Cœr auf Teshima besuchte. Katalogisierte Herzschläge am Ende des Meeres, am Ende der Welt, und meinen eigenen, das habe ich verstanden und nie vergessen. Archivieren, prozessieren, bearbeiten, Arbeit und Bau als Sein und Dasein. Musik in Porto und der Welt von 2021.

Winter

Frühling

Sommer

Herbst

Winter

Nach zwei Jahren ohne Clubs erscheint es mir fast normal, gute Playlists und Sets auf Videoplattformen zu finden. Menschen wollen Bilder (People don’t like clothes, they like images of clothes), ich will Dunkelheit, drei Wodka mit Mineralwasser und den Schweiß der anderen.

Soil Therapy

Ich lese keine Magazine mehr, ich höre keine Platten im Plattenladen, ich gehe nicht aus, ich sehe keine Lineups. Ich bin ein uninformierter Musikhörer. Ich habe keinen Überblick, nur guten Geschmack. In diesem Jahr habe ich zu wenig gehört, das es über meine mit Arbeit verklebte Aufmerksamkeitsschwelle geschafft hätte. Ich bin sicher, es gibt mehr und besseres. Es wird mir begegnen, wenn ich aufnahmefähiger bin, weniger Müde und weniger belegt, wenn ich wieder jünger bin, mit anderen Worten.

Interessanterweise sind die wichtigen Platten dieses Jahres allesamt Releases, die lange angekündigt und erwartet waren. Keine erwischte mich zur Unzeit, alle waren adressiert und antizipiert. Sie erfüllten oder übertrafen Erwartungen, weil sie gänzlich neu waren (Darkside) oder weil sie so ideal in die Umstände des Daseins passten (Imhof). Alle Iterationen dieser Liste haben die Eckpunkte meiner ästhetischen und psychologischen Sensibilitäten mehr oder weniger abgedeckt – doch in diesem Jahr scheint mir die Zusammenstellung die Koordinaten meiner Perspektive etwas zu vollkommen zu verbinden: Rohe Gesten der Entschlossenheit, abgeplatzter Grandeur, Terroir, Präzision und Raumbezug.

Was heißt das nun? Ich weiß wer ich bin, ich weiß was ich will, und ich weiß, wo ich es bekomme. Fünf Platten, ein Jahr. Autobahn, Sonne, Haus, a graceful line from A to B.

Weitere wichtige und häufig gehörte Alben in diesem Jahr: Pan Daijing – Jade 玉观音6, Emeka Ogboh – Beyond The Yellow Haze, Topdown Dialectiv – Vol. 3, Head High – Mega Trap, Lawrence – Birds on the Playground, Koreless – Agor, Only Now – Captivity, Nov_Sad – ΚΕΡΑΥΝΟΣ, Love-Songs & U. Schütte – Spannende Musik, EQD – Equalized #111, Fatima Al Qadiri – Medival Femme, Mathias Modica presents Kraut Jazz Futurism Vol. 27

  1. Ich denke an Efdemin’s Chicago, die ich bereits im vergangenen Jahr erwähnte, und große Teile des Neubauten-Frühwerks sowie die ersten beiden Supporter-Platten. ↩

  2. Tiefer unter der Oberfläche mag es auch mit dem Einfluss der Nuller Jahre auf Unity zu tun haben: Lumens und Unbound leben von ziemlichen Killers- und Rakes-Riffs. ich hoffe inständig, dass meine jugendliche Freude darüber nichts mit meinen neuen Jeans und einer beginnenden Lebenskrise zu tun haben. ↩

  3. Lord of the Fucking Wasteland ist der sehr gute Titel der Gemäldereihe von Eliza Douglas, die sich als Teil von Natures Mortes in der dunkelsten Ecke des tiefsten Untergeschosses des Palais de Tokyo fand. Zerknautschte Metalshirts in Acryl. ↩

  4. Die Auseinandersetzung mit Chude-Sokei, seiner Arbeit und seinem autobiografischen Roman Floating in a most peculiar Way lohnt sich sehr. Dieser Artikel ist ein guter Anfang. ↩

  5. Es ist selbstverständlich aber erwähnenswert, dass diese Ideen (wie große Teile britischer Popkultur) unter prägendem Einfluss von Menschen aus den ehemaligen karibischen Kolonien entstanden sind. Ich sagte das schon einmal im Bezug auf Jungle. ↩

  6. Dieses Album ist fantastisch, und überbordend, überfordernd. Ich habe es nicht zu fassen bekommen, aber es ist bedeutsam und verdient mehr Gedanken und mehr Gefühle. ↩

  7. Eine bemerkenswerte Compilation, die mich auf Frage nach den Resten der zerstörten mitteleuropäischen Spiritualität und Funkyness aufmerksam gemacht hat. In dieser Musik sind lose Enden, die es sich zu verfolgen lohnt. ↩

Circling the Danfo Bus Station

Ich begann diesen Text im Februar, dann geschah vieles. Auf der anderen Seite dieses Jahres fällt er mir in die Hände, und mit ihm Beyond the Yellow Haze, die Assemblage von Beats und Field Recordings von Emeka Ogboh, die das beginnende Jahr geprägt hat. Das Album wird auf der Liste der fünf wichtigsten Platten fehlen, die länger blieben und tiefere Gräben hinterließen. Aber auch von Dezember aus betrachtet: die Geografie von 2021 ist unvollständig ohne dieses Release.

Der Beginn ist eine Ankunft, das Heraustreten auf der anderen Seite. Die Luft ist anders und das Licht ist anders, ein Korridor. Unter den Füßen knirscht der Sand des letzten Jahres, ab hier breitet sich eine neue Umgebung aus, eine Stadt, ein Land, ein Kontinent. Aus dem schweren Groove des zentralen (und ersten) Tracks – Lekki Aiah Freeway – schält sich der Verkehr, zugleich Momentum und endloses Rangieren, ein Sprawl aus Motoren und Stimmen, der das Album bestimmt. Beyond the Yellow Haze ist Verortung und Orientierung, ein Marker, Psychogeografie, ein persönliches Jetzt und Hier, und damit vor allem eine Einsicht in die Kontingenz der Welt, zumal für den kolonialistisch sozialisierten Teil der Hörerinnen und Hörer.

Damit ist nicht alles gesagt. Jenseits dieser Geografie entwickelt Emeka Ogboh in viereinhalb Tracks eine komplexe Soundoberfläche, in der auch nach Wochen neue Details zu finden sind. Mikroarrangements, Sounds, Loops aus Stimmen und Abgasen, perkussive Hooks und Brücken, nichts nimmt ein Ende, alles mündet in konzentrischer Wiederholung, in einem kreisenden quasi-Dub. Es ist die adäquate Form, um über die Unendlichkeit und Unfassbarkeit der Welt zu sprechen1.

Beyond the Yellow Haze ist auf faszinierende Weise zugleich reduktiv und detailliert, ein Portal, eine Öffnung, eine Quelle, ein Ausweg aus dem Alten.

  1. In diesem Kontext: Christianity has developed a very linear, one-way sense of timing and history. (…) Asians do not have a linear historical view. (…) Instead, time is a constant cycling., as in agriculture., Ryuichi Sakamoto in Real Review 9. ↩

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